La Peinture de Paysage Il est difficile de considérer la peinture de paysage comme un genre unique. La peinture religieuse, la nature morte ou les scènes de genre sont facilement reconnaissables parce qu’elles portent des thèmes immuables. La peinture religieuse dépeint des sujets religieux, la nature morte se compose de plateaux de fruits, de gibier, de fleurs etc… Et on appelle peinture de genre les scènes de vie anecdotiques ou familières. Si l’on suit cette logique, la peinture de paysage serait, comme l’évoque son titre, une représentation de la nature. Eh bien non! Du moins, pas directement. Il faudra attendre le XIXe siècle pour qu’un paysage peint soit vraiment un paysage une nature sauvage, sans hommes. Sans hommes? Oui! Car voilà, la peinture de paysage, indissociable de l’homme, est le résultat direct de notre conception de la nature à travers les époques. A la croisée des découvertes scientifiques, des bouleversements sociaux, des diktats esthétiques se trouve la peinture de paysage. Révélée par les Flamands , antiquisée par les Italiens, bouleversée par les Britanniques, harmonisée par les Chinois, immortalisée par les Français… La peinture de paysage est un courant voyageur qui se niche peu à peu dans les esprits pour atteindre des sommets aux XIXe et aux XXe siècles. I- Les fondations de la peinture de paysage La plupart des civilisations fondatrices s’expliquent la création du monde par des manifestations divines. La nature, issue de leur création est vue à travers le spectre de la divinité… Les débuts de la peinture de paysage occidentale Bien qu’on date la naissance de la peinture de paysage dès l’antiquité égyptienne, celle-ci n’y apparaît qu’à un stade embryonnaire. Chez les égyptiens, les éléments de nature sont principalement symboliques et leur représentation est par conséquent très codifiée. La nature étant, par définition irrégulière, il était peu probable qu’elle trouve une liberté propre dans cette forme de peinture. Une nuance est à noter pour l’Empire Romain, empire connu pour son goût de la terre et de l’expansion. Plusieurs fresques de villa romaines dévoilent une végétation parfois luxuriante, mais la peinture de paysage garde essentiellement une fonction décorative. D’ailleurs, Ovide et ses Métamorphoses sont une source essentielle pour comprendre la conception de la nature dès l’Antiquité. La nature est considérée comme un lieu de résidence privilégié pour les dieux. Ce qui explique la fonction décorative du paysage qui est là pour mettre en valeur la divinité. Le Banquet d’Achelous par Rubens et Jan Brueghel I, 1615, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtLa fonction décorative du paysage de Rubens et Brueghel rappelle clairement les textes de leurs prédécesseurs latins. La nature enchanteresse prend la forme de voûtes d’architecture à l’arrondi parfait, donnant une noblesse directe aux créatures divines. Chaque élément naturel est l’attribut ou le symbole d’un ou d’une divinité. Par exemple, les coquillages symbolisent Achelous, dieu de la Rivière. Vitruve le bâtisseur de la peinture de paysage occidentale Vitruve est le premier architecte Romain dont les textes nous soient parvenus. Son traité De Architectura », théorise l’utilisation de la nature dans les arts peinture, architecture, théâtre etc. Vitruve parle de Topia » dérivé de “topiarus” jardinier. Topia désigne un jardin, soit un lieu naturel transformé par l’homme selon sa fantaisie. Dans son traité, il incite à sélectionner les éléments naturels ceux qui sont beaux et qui servent à la compréhension de la scène. Son approche de la nature profondément architecturée aura un impact colossal dans l’évolution de la peinture de paysage en occident. Vitruve mis en Français par Ian Martin, “Architecture ou art de bien bâtir”,1547, Metropolitan Museum of Art Cette illustration exprime parfaitement le point de vue de l’architecte latin. Les hommes prélèvent dans la nature les éléments qui leur serviront à bâtir une structure esthétiquement parfaite et ordonnée. La Chine à la recherche d’une harmonie esthétique En Chine, La peinture de paysage est indissociablement liée à la poésie et la littérature. Ensemble, elles forment les trois disciplines du pinceau. La technique est différente qu’en occident mais le concept est le même prélever dans la nature le beau, et reconstruire une harmonie paysagère… Le ShanShui est un type de peinture ancestral, maîtrisé par les peintres lettrés qui devient dominant sous la dynastie des Yuan 1279-1368. Shan veut dire montagne et Shui eau, mis bout à bout ils forment le mot paysage. Le Shanshui est un art d’assemblage, c’est à dire que les artistes vont exécuter de manière séparées les composantes de leur peinture, puis les regrouper, pour arriver à une harmonie idéale et ainsi former le futur ShanShui. Le ShanShui est inévitablement lié à l’homme puisqu’il s’accompagne d’une réflexion poétique. C’est un paysage de méditation et de contemplation supposé provoquer l’apaisement des esprits et ouvrir la voie à la sagesse. L’homme, à travers cette nature idéale, s’engage dans un parcours initiatique, sinueux comme la montagne. De nombreux ShanShui sont également destinés à glorifier leur empereur, la montagne prend ici un symbole de solidité politique. Paysage dans le style de Zhao Boju, 1654, encre sur papier, Metropolitan Museum of ArtLa différence entre un ShanShui et la peinture de paysage occidentale réside dans la perspective. Le ShanShui est en fait une superposition de plans appelés lointains contrairement à la peinture occidentale qui, dès la Renaissance, utilise la fameuse perspective linéaire règle du point de fuite. Le ShanShui étant incroyablement symbolique, son point de fuite se trouverait au sommet de la montagne, point culminant de cette quête initiatique. Le Moyen-Âge quand l’or recouvre les paysages Le Moyen-âge est connu pour ses fonds d’or hérités de la tradition byzantine. La peinture médiévale étant principalement religieuse et très codifiée, le fond d’or est associé au divin. Dieu est considéré comme étant à l’origine de toutes choses, la nature n’a pas besoin d’être peinte puisque Dieu est nature. On peut néanmoins soulever une volonté d’évolution avec certaines fresques de Giotto, primitif italien qui cherche à décorer ses fonds d’une manière plus terrestre et annonce ainsi les bouleversements de la Renaissance. Peintre napolitain, L’Adoration des Mages,1340/43, Tempera sur bois, Metropolitan Museum of Art Ce retable est exécuté par un primitif napolitain grand admirateur de Giotto. Même si le paysage prend ici une valeur symbolique, on observe déjà une volonté de délaisser le fond d’or au profit d’une exploration paysagère. Ce tableau est très intéressant parce qu’il nous montre parfaitement cette transition. II-Les Flandres ou la Révélation de la peinture de paysage La Renaissance fragmente les croyances de toutes parts. Les frontières s’écartent. On découvre que la terre fait partie d’un système solaire. On découvre de nouvelles terres. La conception de la nature s’en voit grandement modifiée. C’est dans les Flandres que l’on trouve ce nouvel intérêt pour le paysage… Comment expliquer une telle avancée de la part des flamands? La réforme protestante C’est l’émergence du protestantisme dans les Flandres qui pousse au développement de la peinture paysagère. Calvin condamnant la peinture sainte comme de l’idolâtrie, on privilégie désormais une relation plus discrète entre le fidèle et Dieu. C’est ainsi que les peintres des Flandres se mettent à explorer de nouvelles thématiques pour vendre leurs toiles. La peinture de paysage va dès lors se répandre et atteindre un grand succès. La réforme humaniste la période du XVe siècle tire son inspiration d’Érasme et se veut propice aux réflexions sur la nature humaine. C’est là toute la force de la Renaissance qui admet son ignorance et va chercher de nouvelles explications, plus scientifiques à ses croyances. Tous ces questionnements vont faciliter l’utilisation du paysage comme allégories des réflexions humaines. Avec les grandes expéditions menées à cette époque, la soif de terres inexplorées lance un nouvel intérêt pour la nature et les paysages. Les horizons sont plus vastes, les esprits aussi et cela se ressent sur les toiles. C’est également à cette même période que l’on découvre des lois mathématiques qui vont révolutionner la proportion dans la peinture. Mises en application, ces règles peuvent aussi expliquer une plus grande facilité dans l’art de peindre la nature. Albrecht Durer, Erasme de Rotterdam,1526, Gravure, Petit Palais, Musée des Beaux Arts de la Ville de Paris Joachim Patinier, Saint-Jérôme Pénitent,1512/15,huile sur bois, Metropolitan Museum of Art. Même si les sujets religieux restent les acteurs principaux de ce triptyque, la place accordée au paysage est impressionnante. Bien évidemment, c’est un paysage imaginé de toutes pièces. C’est d’ailleurs Patinier qui poussera à la popularisation dudit Paysage-monde » c’est à dire une immensité naturelle dans laquelle se déroule une scène religieuse rendue anecdotique par sa taille. C’est aussi au même moment dernier tiers du XVe siècle que se répand la production de globes terrestres, cette curiosité sur le monde et sur le lointain pourrait expliquer de la part des flamands cette volonté d’englober » le plus de paysage possible. Le mystère du peintre des petits paysages Peintre et graveur non identifié à ce jour, Il est connu pour ses gravures de paysages en tous genres. Autrefois identifié comme Brueghel car, imprimé par le grand Jérôme Cock, il reste à ce jour l’inconnu parmi les peintres mais le maitre parmi les paysages. Maître des petits Paysages, Vue de Village,1550/60, plume et encre brune L’âge d’or néerlandais du XVIIe siècle Au dix-septième siècle, les Provinces Unies, libérées du joug espagnol vont traverser une envolée tant sur le plan économique et social que politique et artistique. leur activité commerciale qui avait déjà fait leur réputation va prendre un nouvel essor et de nouvelles classes sociales vont s’imposer. Une bourgeoisie et une riche paysannerie sont à l’origine dit-on du marché de l’art moderne qui fera fleurir l’activité des peintres. Mais surtout, ces nouveaux commanditaires auront des centres d’intérêts directement liés à leur réussite sociale ce qui fera triompher les peintures de genre et de paysage sur les peintures d’Histoire jusqu’alors indétrônables. restons cependant modérés quant à notre propos, car la peinture d’Histoire conservera une place majoritaire! La demande va être telle, que les peintres constitueront des stocks » de peintures classées par genre pour satisfaire ces nouveaux clients. Il serait cependant trompeur de penser que ces paysages étaient effectués sur le motif en pleine nature, les artistes flamands les constituaient en atelier selon leur fantaisie. Jacob Van Ruisdael, Paysage avec un Village Lointain, huile sur bois, 1646, Metropolitan Museum of ArtVan Ruisdael immense paysagiste hollandais peint ce paysage à dix-huit ans. Ses paysages faisant preuve d’une grande sensibilité serviront souvent d’exemple aux romantiques. En témoigne cette remarque d’Eugène Fromentin“De tous les peintres hollandais, Ruysdaël est celui qui ressemble le plus noblement à son pays. Il en a l’ampleur, la tristesse, la placidité un peu morne, le charme monotone et tranquille.“ La cartographie Le XVIIe siècle pour les Flandres, c’est aussi l’âge d’or de la cartographie. Ce n’est pas anodin si Vermeer peint “Le Géographe” ou “l’Officier et la Jeune Fille”. Une profusion de mappemondes, de globes et d’atlas se répandent, facilités par l’imprimerie. Cartographier implique l’observation de territoires pour se repérer de manière précise dans ce monde aux frontières encore floues. Hors, l’observation des territoires sous-entend l’observation de la nature étude topographique. La cartographie a donc joué un rôle dans l’intérêt pour les paysages. Johannes Vermeer, La femme au Luth,1662/63, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art La carte de l’Europe à l’arrière plan couplée au regard de la jeune femme par la fenêtre pourrait sous-entendre qu’on s’intéresse désormais à ce qu’il se passe au dehors. Carte du Monde, Jan de Visscher d’après Nicolaes Pietersz Berchem, 1670/80, Rijksmuseum III- L’Italie des ruines à la reconstruction C’est en Italie, précisément avec Antoine Carrache, qu’on définit la peinture de paysage comme genre à part entière au XVIe siècle. Les Frères Carrache vont notamment s’appuyer sur le principe défendu par Vitruve qui préconisait de corriger par la peinture les petits défauts de la nature . C’est ainsi que se développa une réelle esthétique paysagère, thème si cher aux italiens dans leur inlassable quête du beau . Le Paysage Idéal Des enseignements de Vitruve découle le fameux paysage idéal ». un paysage embelli selon les codes esthétiques du XVIe siècle. Un exemple frappant pourrait être la popularité du thème de l’Arcadie. L’Arcadie est une terre légendaire de la Grèce antique, célébrée dès la Renaissance pour l’harmonie de ses paysages et le bon vivre de ses bergers. Ce thème sera si populaire qu’une Académie de l’Arcadie se créera à Rome en 1690. Rappelons nous que Topia était utilisé par Vitruve pour désigner un lieu aux proportions idéales et harmonieuses. En 1516, c’est l’humaniste Thomas More qui invente le mot Utopia » sorte de paradis imaginaire révélateur de cette nouvelle attirance pour la terre idéale. Il y avait donc un lien étroit entre le pays et le paysage milieu naturel. Paysage arcadien, 1700, Alessandro Magnasco, huile sur toile, Art Institute of Chicago Une parenthèse française en pleine Italie C’est cependant le français Nicolas Poussin qui a tout de même passé la majeure partie de sa vie à Rome qui reste connu pour ses Bergers d’Arcadie ». Lui et le peintre Claude Lorrain ont largement contribué à développer l’art du paysage. En effet, particulièrement à cette époque du XVII e siècle qui a vu la montée d’un académisme puissant, la hiérarchie des peintures étaient plus que jamais en vigueur. Au sommet la peinture d’histoire et ses scènes bibliques et mythologiques. Jusqu’à présent, le paysage était un support, un agrément qui valorisait la peinture d’histoire. Poussin et Lorrain ont donc fait preuve d’une grande ingéniosité. Même si le titre du tableau continue d’évoquer des thèmes nobles », on assiste à une véritable inversion. C’est le thème mythologique qui sert désormais de prétexte à l’exploration paysagère. Poussin et Lorrain sont un bon exemple d’artistes qui voyagent. Déjà instigué pendant la Renaissance, les voyages et l’intérêt pour la culture étrangère vont se développer. L’Italie sera une fois de plus mise en lumière. Entre ruines romaines et urbanisation, de nouveaux sous-genres attenants à la peinture de paysage vont se développer. Nicolas Poussin, Orion aveugle cherchant le Soleil, 1658, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Ici Poussin s’amuse même à confondre Diane avec les nuages. Qui est le plus mis en valeur? Diane ou les nuages? Le goût de Poussin pour les paysages se reflètera énormément dans ses dernières peintures Les Quatres Saisons. Claude Lorrain, La Campagne Romaine, 1639, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Les Vedute Puisque les analogies entre les Flandres et l’Italie sont indispensables lorsqu’on parle de peinture de paysage, permettons nous une légère évocation des Flandres. Vermeer dévoile sa Vue de Delft » en 1661. Le plus beau tableau du monde » selon Proust n’est autre qu’un magnifique exemple de veduta. Pour ce faire, Vermeer aurait possiblement utilisé une camera obscura », un instrument optique qui reçoit la lumière émise par des objets pour reformer ces objets en position inversée. On plaçait dedans une lentille convexe pour rétablir le sens des objets. L’utilisation de la camera obscura sera largement reprise par le peintre vénitien Canaletto au XVIIIe siècle. Les XVIIe et XVIIIe siècles sont marqués par des voyages aristocratiques d’éducation et de découverte intitulés Grand Tour». Les destinations étaient majoritairement La France, les Pays-Bas, l’Allemagne, la Suisse et évidemment l’Italie. C’est ainsi que les voyageurs découvrent les ruines qui parcourent les paysages italiens. Cette période considérée comme le point de départ de l’histoire du tourisme aura un effet majeur sur la promotion des vedute et de la peinture de paysage en général. De nombreux aristocrates vont vouloir rapporter des souvenirs » de leur voyage. C’est là toute la modernité de ces vedute car, cette-fois-ci, c’est le paysage lui-même auquel on s’intéresse. Le peintre Canaletto et les autres védutistes feront fortune en commercialisant leurs vues de Venise. Canaletto, Le Grand Canal de Venise, 1730, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Exemple d’une projection de Camera Obscura Abelardo Morell, Vue de Brooklyn dans la chambre de Brady, 1992 Dessin de Camera Obscura, Encyclopédie, 1762/77, Deferht Des paysages en ruines Capricci ou vedute ideate ! Le triomphe des peintures architecturales Sacrés coteaux, et vous saintes ruines,Qui le seul nom de Rome retenez,Vieux monuments, qui encor soutenez L’honneur poudreux de tant d’âmes divines, » Joachim Du Bellay, Les Antiquités de Rome, 1558 Nouvelle exploration du paysage idéal, le capriccio est la représentation d’un paysage imaginaire. Francisé en caprice » il s’oppose à la représentation fidèle du vedute et est tout droit issu de la fantaisie du peintre. Depuis la Renaissance, on observe une grande redécouverte des ruines romaines . Ce qui va déclencher une véritable fascination esthétique et jeter les bases de la future architecture classique. De cet attrait pour les vestiges va émerger une peinture architecturale. Les sujets mythologiques étant toujours au sommet de la pyramide infernale des peintures, c’est une belle astuce consciente ou inconsciente que d’antiquiser » le paysage pour le rendre plus noble. Francesco Guardi, Paysage Fantastique,1765, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Francesco Guardi, Vestiges de Colonnades, 1780/90, stylo et encre brune, Metropolitan Museum of Art IV- L’Angleterre une percée essentielle dans la peinture de paysage La fin du XVIIIème et le XIXe siècle se fondent sur une série d’expérimentations et de bouleversements rapides. Ils seront traversés par de nombreux mouvements aussi bien littéraires que politiques, artistiques que scientifiques est le premier pays européen à avoir enclenché sa révolution industrielle. Peut-être sa relative stabilité politique lui a-t-elle permis de prendre une telle avance ! L’expérimentation qui frappe ce siècle dans tous les domaines entraîne une exploration fondamentale dans la peinture. L’Aquarelle ou “l’Eau des Peintres” Jusqu’ici, l’Angleterre n’avait pour ainsi dire pas vraiment pris part à notre épopée de la peinture de paysage. En bonne observatrice, elle s’imprégna des peintures italiennes et françaises Grand Tour mais également et surtout flamandes. Monarchie désormais constitutionnelle, Les rois et reines britanniques commissionnent de nombreux grands peintres Flamands et Germaniques d’effectuer leur portrait ce qui aura pour rôle de diffuser les œuvres de ces mêmes peintres. Hors, nous avons vu que la peinture de paysage s’était déjà lovée quelques siècles plus tôt dans le cœur des flamands. N’oublions pas que, l’Angleterre n’est plus catholique depuis 1534. Tout comme les flamands, les anglais ont développé de nouveaux thèmes de peinture, plus en adéquation avec leurs croyances. Durer réalisait des aquarelles de paysages, et l’Angleterre n’est-elle pas considérée comme l’inventeur de l’aquarelle moderne » ? la diffusion de la peinture à l’aquarelle jouera un rôle considérable dans l’histoire de la peinture. Sans elle, l’Angleterre n’aurait peut-être pas eu son monstre sacré… William Turner La virtuosité de Turner en a fait un génie de la peinture. Inspiré par Claude Lorrain et Nicolas Poussin, Turner rejoint parfaitement notre propos car c’est un artiste qui voyage. Plus que ça, c’est un grand paysagiste. Il travaillera dès l’âge de quatorze ans pour l’architecte Thomas Hardwick et effectuera de nombreux dessins et croquis de paysage ce qui lui donnera le goût de poursuivre dans cette voix. Bien que la biographie de Turner soit lacunaire, on le définit comme un grand randonneur qui partait muni de son carnet de croquis et trouvait dans la nature toute son inspiration. Cette attitude d’artiste solitaire se reflète dans un grand courant artistique de la même époque le Romantisme. Avant toutes choses, il est important de clarifier notre emploi de tous ces termes généraux qui sont apparus de plus en plus nombreux au XIXe siècle Romantisme, Réalisme, Naturalisme etc. Tous ces termes nous serviront de facilité d’explications mais ne doivent en aucun cas enfermer un artiste ni lui retirer sa singularité. Le Romantisme donc, apparaît initialement en Angleterre et en Allemagne en réaction aux normes strictes et mesurées du classicisme. Ce mouvement va se diffuser rapidement et aura un succès considérable dans toute l’Europe et même en Amérique du Sud. Les livres vont désormais s’emplir de personnages contradictoires aux passions déchaînées. Ces personnages souvent solitaires et incompris trouveront justement leur compréhension dans la nature qui, par ses forces cycliques et ses accès changeants représente directement les sentiments éprouvés par les romantiques. Le romantisme allume donc un projecteur sur l’immensité naturelle, mais la peinture de paysage reste inévitablement attachée à la condition humaine. Le Voyageur contemplant une mer de nuages de Friedrich en est presque un exemple métonymique. En effet, c’est le voyageur qui contemple la nature et pas autrement. Si le titre avait été La mer de nuages au voyageur » la peinture de paysage aurait pris une tournure différente, mais le Romantisme ne peut se détacher de la condition humaine qui est au cœur de ses préoccupations. Pour revenir à Turner, on le décrit souvent comme un romantique en raison de l’extrême sensibilité de ses peintures et ses couleurs poétiques et déchaînées. Turner est le premier à mélanger aquarelle et peinture à l’huile donnant un rendu embué, flouté qu’on interprète souvent comme annonciateur de l’impressionnisme. Turner, Saltash, 1811, huile sur toile Metropolitan Museum of Art Turner, Soir de déluge, 1843, huile sur toile, Washington National Gallery of ArtIl est intéressant ici d’observer la liberté progressive que prend Turner qui se détache des formes réalistes inspirées par Lorrain et Poussin pour arriver à ce triomphe de substances et de textures qui lui est si particulier. L’expérimentation qui frappe le XIXe siècle se ressent jusque dans les palettes. C’est d’ailleurs assez révélateur de l’opposition scientifique qui traversait l’Europe au XIX e siècle. Entre la science du tangible et du matériel et la science s’intéressant aux formes immatérielles et abstraites. Turner s’apparentant de plus en plus à l’abstrait en fin de carrière, c’est incontestablement Constable qui, en parallèle, s’affiche comme le maître du paysage réaliste. John Constable Profondément inspiré par son prédécesseur paysagiste Thomas Gainsborough, Constable réussit à hisser la peinture de paysage à une noblesse encore jamais atteinte. Il sera très influent notamment en France Delacroix l’admirera beaucoup. Constable est aussi représentatif d’une génération de la révolution industrielle qui voit ses paysages changer rapidement et s’urbaniser, et qui trouve dans la nature un refuge à ce vacarme industriel. Constable réalise de nombreuses esquisses en pleine nature avant de peindre. C’est un peintre qui prône la beauté pure du paysage c’est à dire à son état originel. Cette conception aura un impact conséquent sur la peinture de paysage. Nous sommes désormais loin des paysages idéalisés de Vitruve et Pline l’Ancien, la beauté se trouve directement sous n’importe quelle haie et dans n’importe quelle prairie ». Thomas Gainsborough, Paysage de Montagne, années 1780, craie noire et blanche estompées sur papier bleu-gris John Constable, 1825, la Cathédrale de Salisbury, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Parenthèse américaine Dans la jeune nation américaine se forme le désir se se détacher des conventions picturales européennes et de créer un style à part entière. Dans un pays aussi vaste aux terres encore en friche, les paysages s’affirment comme sujet de prédilection. Thomas Cole, Le Méandre, 1836, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtOn voit bien ici les éléments qui préfigurent la pensée nord-américaine. Un immense paysage encore en friche mêlé à la douceur d’un ciel presque divin offrant à la scène une lumière dorée. Aller à la conquête de terres inconnues sous l’égide directe du Ciel Dieu. Les guerres qui marquent le XIXe siècle interrompent le phénomène du Grand Tour » ce qui poussera les anglais à voyager directement dans leurs campagnes . C’est ainsi que nous sont parvenues les plus belles toiles de paysages anglais, écossais et nord irlandais. L’Angleterre peut enfin se vanter d’avoir eu son heure de gloire. Inspirée par la progression anglaise, la France la suivra de peu, sa révolution industrielle se déclare quelques temps après, sa révolution picturale aussi… V-La France et son autre révolution » La France depuis le XVIIIe s et encore plus au début du XIX siècle est frappée par un académisme indétrônable. Des peintres illustres comme Jacques Louis- David ou Thomas Couture forment aux Beaux Arts les futures générations de peintres. La peinture française à cette époque se définit par ses règles. C’est l’apothéose de la peinture d’histoire, de peintures militaires glorificatrices, de portraits de grandes figures de la noblesse. Le paysage est complètement laissé à l’abandon. Jacques Louis David, La Mort de Socrate, 1787, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art L’Ecole de Barbizon Les détachés de l’Académie » A l’époque où le Salon Officiel décide du verdict de chaque peinture, la côte du paysage est très basse. Certes, en 1816, le prix du paysage historique » fut ajouté par l’Académie Française au prix de Rome, mais le paysage s’inscrivait encore dans une vision architecturée ou idéalisée. Théodore Rousseau 1812-1867, réalise de nombreuses esquisses en pleine nature et propose des paysages réalistes en opposition complète avec les paysages académiques » jusqu’alors tolérés. Cela lui vaudra de nombreux rejets du Salon. Pourtant, plusieurs facteurs vont finir par projeter le paysage au devant de la scène. En 1824, le Salon de Paris expose de nombreuses toiles de maîtres paysagistes anglais notamment John Constable. Ce Salon peut avoir apporté un début d’ouverture d’esprit quant à la beauté et l’appréciation des espaces naturels. De plus, depuis le XIXe siècle, la course à l’industrialisation est lancée dans toute l’Europe. Les productions massives des usines enfument les villes. Plusieurs artistes dont Théodore Rousseau voudront fuir ce brouhaha industriel . Ils trouveront justement leur refuge dans la forêt de Fontainebleau ou le paisible petit village de Barbizon. D’autant que le développement des lignes de chemins de fer permettait à de plus en plus d’artistes de venir facilement s’y ressourcer. L’École de Barbizon n’est pas à proprement parler une école. C’est d’abord une communauté d’artistes qui s’est retrouvée tout au long du XIXe siècle à partager des valeurs communes et qui ont fait avancer les codes instaurés par l’académie. Ils se retrouvaient à l’Auberge de Ganne pour refaire le monde de la peinture et partager leurs découvertes et leur enthousiasme. L’auberge de Ganne est aujourd’hui un musée absolument dédié aux peintres de Barbizon. Le terme fut ensuite élargi à tous les artistes qui ont trouvé en la forêt de Fontainebleau un sujet d’inspiration. L’invention et la mise en service du tube de gouache en 1841 va également faciliter la peinture en plein air en la rendant tout simplement possible et permettra une créativité nouvelle que sauront capter les impressionnistes. Peut-être fallait-il l’industrialisation pour redécouvrir la nature ? Le courant des peintres de Barbizon pave la voie aux futurs impressionnistes. C’est une véritable fracture qui se crée dans la peinture académique française et qui apporte aux peintres une plus grande liberté dans le choix de leurs thèmes. Théodore Rousseau, L’ Orée du Bois à Monts-Girard,1852/54, huile sur bois, Metropolitan Museum of Art Quelques artistes incontournables de “l’Ecole de Barbizon” Jean François Millet, Meules de foin, Automne 1874, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Millet, qui mettra toute son ardeur dans la peinture paysanneest tenu comme exemple de nombreux peintres. C’est le peintre préféré de Van Gogh. Camille Corot, Le Batelier,1865, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtLe Batelier de Corot a la poésie venteuse de sa fin de carrière. Corot s’est formé auprès de Valenciennes, peintre de paysages néoclassiques. Il inspira considérablement les impressionnistes. L’impressionnisme enfin ! Une bouffée d’air frais dans la peinture de paysage Monet, Degas, Sisley, Renoir, Cézanne, ces noms sacrés qui résonnent encore aujourd’hui comme des maîtres incontestés de la peinture. Pourquoi l’impressionnisme est-il devenu le mouvement pictural le plus célèbre ? Animés par le même désir de rupture, ces artistes ont su tirer profit de leur statut de marginaux. Le Salon des Refusés autorisé en 1863 par l’empereur Napoléon III permet justement à des artistes comme Manet ou Pissarro de faire voir leurs œuvres rejetées par le Salon de l’Académie des Beaux-Arts. Soutenus par le marchand d’art visionnaire Durand Ruel et le photographe Nadar, ils sauront se créer une place incontestable dès les années 1880. L’apparition de la photographie a d’ailleurs eu un impact considérable dans l’histoire de la peinture. Sa popularisation arrive en même temps que l’impressionnisme et libère les peintres et leur toiles de cette préoccupation coupable qu’était la recherche de réalisme. La photographie remplissant parfaitement cet office, la peinture peut dès lors s’adonner à de nouvelles explorations que ne peut pas faire la photographie. L’impressionnisme brise les contours trop finis » du néoclassicisme et du réalisme. A l’heure où la science découvre que le monde est en réalité composé d’une infinité de petites particules en vibration, les impressionnistes introduisent une nouvelle sensibilité dans leurs toiles. C’est une peinture de l’instant, aussi fugace soit-il. Il ne s’agit plus de peindre la réalité telle que nos yeux la voient, non, la science venait de prouver la capacité limitée de notre acuité visuelle. Il s’agit d’arriver à une harmonie de composition qui donne une impression. Impression, ce terme qui se voulait dépréciateur de la part du critique Louis Leroy a en réalité marqué à tout jamais le monde de la peinture. L’impressionnisme vient chercher ce qui se cache derrière le réel. Renoir l’exprime parfaitement dans cette phrase restée célèbre Un matin, l’un de nous manquant de noir se servit de bleu l’impressionnisme était né ». L’impressionnisme est donc à la fois une esthétique distincte et un mouvement. En quoi est-ce fondamental pour la peinture de paysage ? Parce qu’en plus de révolutionner la manière de peindre, les peintres impressionnistes vont bousculer d’autres codes. Ils réaliseront d’immenses tableaux de paysage sur des formats d’ordinaire réalisés pour des genres plus nobles ». C’est ainsi que le paysage gagnera ses lettres de noblesse. Pierre Auguste Renoir, Jeune Fille au Bain, 1892, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtRenoir est un maître incontesté de la lumière. Ses paysages et ses figures ont la brillance pâle de la nature s’adapte ici au mouvement des cheveux de la jeune fille et nous donne une grande impression de fraîcheur. Les impressionnistes procédant par “touches”, c’est sûrement avec Renoir qu’on peut parler de grain de peau”. Ici, plus de combat entre la nature et le sujet, les deux se complètent pour former l’Impression. Camille Pissarro, Peupliers, Eragny, 1895, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtCamille Pissarro a la minutie d’une dentellière. Pourquoi y a t- il autant de lumière dans les tableaux impressionnistes ? C’est qu’ils maîtrisent les ombres à la perfection. Leurs touches sont aussi folles et harmonieuses que la nature. Les impressionnistes observent les paysages avec un œil nouveau, un œil libre. Nous nous arrêterons aux impressionnistes parce que c’est à ce moment précis que la peinture de paysage a pleinement été libérée et a atteint le sommet des genres. Évidemment, le XXe siècle, siècle d’accentuation est fascinant dans le domaine du paysage. Quant au XXIe siècle, siècle de déclinaisons et d’impertinences, le paysage reste toujours un thème de prédilection. Cependant, ces deux siècles mériteraient un article complet et une approche différente. Conclusion Celui qui veut relater l’histoire de la peinture de paysage devra comprendre la logique qui se cache derrière. Un genre qui serpente entre les règles, les interdictions et les préceptes des académies. Patience, voilà le fin mot qui conclue l’histoire du paysage. Beauté de l’ombre, la nature s’immisce peu à peu dans les toiles, instiguée par les peintres qui ne peuvent renier son potentiel esthétique. Si l’histoire de la peinture de paysage est aussi riche, c’est qu’elle est indissociable des premières préoccupations humaines l’homme est inséparable de son environnement. Au fur et à mesure des compréhensions, la nature des peintres change de style, devient plus folle. Ce n’est qu’au XIXe siècle qu’on reconnaît officiellement sa toute puissance dans la peinture. Officieusement, et si l’on s’intéresse aux peintres en profondeur, on ressent souvent que la nature les attire, les appelle. N’oublions pas que jusqu’à très tard, les commanditaires réclamaient des peintures d’Histoire ou des portraits. Nos peintres, s’ils voulaient survivre n’avaient donc souvent guère le choix. Mais, certaines toiles ne trompent pas. C’est le cas de cet inclassable… El Greco, Vue de Tolède,1597-1599, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtParfois considéré comme un expressionniste avant l’heure, El Greco donne à ce chef d’œuvre le même regard orageux qu’ont ordinairement ses figures. Le paysage semble torturé. Tolède se tord sous un ciel bleuté, électrique. Cette œuvre reste inclassable tant dans son temps que dans son genre. Bibliographie Paysages Entre Nature et Histoire Pierre Wat, Pérégrinations L’Art des Paysages Nils Buttner, Citadelles et Mazenod Fables du Paysage Flamand, Alain Tapié, Michel Weemans, Somogy Editions d’Art Découvrez une sélection d’objets en lien avec l’article

8Siles couleurs doivent être appréciées les unes en fonction des autres, le « prestige » du peintre consiste alors à maîtriser au mieux les accords entre les « tons » de la toile, afin d’en rendre l’effet agréable.Par un agencement adéquat des rapports chromatiques, déclare encore Diderot, il est possible de rehausser la qualité des teintes et d’obtenir ainsi un

La peinture est de plus en plus proche de la poésie, maintenant que la photographie l’a libérée du besoin de raconter une histoire. » Georges Braque De la peinture murale à la peinture à l’huile, l’histoire des arts a largement évolué et connu de nombreux bouleversements. Comme toutes les pratiques artistiques, elle a également connu son lot de grands noms, de scandales, et autres oeuvres remarquables. Une richesse sans précédent, qui place l'art comme un univers aussi foisonnant que difficile à appréhender lorsqu'on est néophyte. Avec des mouvements et courants artistiques comme le classicisme, le romantisme, le symbolisme, la peinture flamande, le pop art ou autres, la peinture française et internationale n’a cessé de se transformer et voir passer de grands chefs d’oeuvre comme le Radeau de la méduse, Guernica, ou encore la Joconde. Oui, mais au-delà de ces noms très connus, on ne maîtrise pas toujours les contours de la pratique artistique, mais surtout de ce qu'elle a représentée dans l'Histoire, dans la vie des peintres, ou encore dans les conséquences qu'elle a pu avoir sur nos modes de vies quotidiens. Pas de panique, nous sommes là pour déblayer le terrain ! Aujourd’hui, environ 6 français sur 10 affirment se rendre au musée au moins une fois par mois. L’occasion de découvrir ou redécouvrir les artistes français, les grands maîtres de la Renaissance italienne ou encore les huiles sur toile du mouvement cubiste. Alors Musée du Louvre, Musée d’Orsay ou centre Pompidou, n’hésitez pas à vous perdre dans les grands musées nationaux à la découverte de l’histoire. En attendant, pour ne pas vous sentir trop perdue dans ces grands dédales de couloirs en tous genres, petit tour d'horizon de ce que l'histoire de la peinture a de meilleur ! Les meilleurs professeurs de Dessin disponibles5 18 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 9 avis 1er cours offert !4,8 4 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 5 avis 1er cours offert !5 10 avis 1er cours offert !5 18 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 9 avis 1er cours offert !4,8 4 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 5 avis 1er cours offert !5 10 avis 1er cours offert !C'est partiLa préhistoire et les prémices de la peinture Les impressionnistes vous impressionnent ? Les cubistes vous laissent de marbre ? Vous vous demandez comment la chapelle Sixtine a été peinte ? Chaque chose en son temps ! Avant de se pencher sur de tels sujets, il convient de se demander comment la peinture est née ! La peinture est beaucoup plus vieille que l’on peut le penser. Les hommes préhistoriques ont commencé à peindre lors de la période Magdalénienne, à environ 17 000 à 10 000 ans avant Jésus-Christ. C'est dire à quel point cette pratique artistique nous donne du fil à retordre ! Les hommes ne connaissaient alors que trois couleurs l’ocre jaune, l’ocre rouge et le noir charbon. Aujourd'hui, cela nous semble fou, mais pourtant, des merveilles étaient faites avec ces pigments. Ces couleurs étaient extraites de matières comme le manganèse ou encore le fer. Dame Nature a toujours le dernier mot ! Les premières peintures étaient réalisées dans des grottes. Mais à l’époque, pas question de peindre des portraits ou des natures mortes, encore moins des scènes de guerre ou des beaux bâtiments. Loin s'en faut ! Les hommes de la préhistoire peignaient essentiellement des animaux comme des chevaux, des bisons ou encore des mammouths. Une peinture beaucoup plus proche de la réalité et des préoccupations quotidiennes. Afin de donner quelques effets de reliefs à leurs réalisations, les hommes utilisaient les bosses ou les creux naturels des parois sur lesquelles ils peignaient. Eh oui, les pinceaux n'étaient évidemment pas ceux que l'on connaît aujourd'hui dans toute leur variété ! Rituel ou simple expression artistique, les grandes peintures rupestres font encore l’objet de grandes investigations archéologiques. Les plus grandes traces de la peinture préhistoriques se trouvent notamment en France et en Espagne, avec notamment les célèbres grottes de Lascaux. Qui n'en a jamais entendu parler ? Bien évidemment, elle s'est imposée comme un trésor, découverte le 12 septembre 1940 par des adolescents, avant qu'ils ne décident d'en parler à leur instituteur un monument pictural et historique était trouvé ! Un monument vieux de 18000 ans, rien que ça ! Mais si la peinture a fait ses timides débuts lors de la préhistoire, elle ne s'est pas arrêtée en si bon chemin, non non ! L'Histoire l'a suivie ! Trouvez un cours de peinture geneve ici. La peinture durant l’Antiquité Quand la peinture et l'histoire se rencontrent, cela donne un beau pan de l'art ! L'antiquité est l'aristocratie de l'histoire - Alexandre Dumas La peinture évolue avec le temps, mais les supports restent. À l’Antiquité, les Grecs peignent encore sur les murs afin de décorer les villas et autres œuvres architecturales. Encore loin de la perspective telle qu'on la connaît aujourd'hui, les motifs représentent des humains, des animaux ou des édifices souvent à caractère religieux ou évoquant certains sacrifices ou rituels. Un changement propre à l'évolution sociétale, qui place aussi la peinture non comme un repère, mais comme un marqueur de son temps, à la lumière de notre époque. La peinture grecque est aussi largement connue pour avoir décoré toutes sortes de céramiques, que l'on retrouve dans certains musées contemporains. Les couleurs noire et rouge sont notamment utilisées pour peindre la vie quotidienne de l’époque. Un style qui influencera par la suite la peinture romaine. En Italie, les peintures décorent essentiellement les grandes villas grâce aux représentations de paysages ou bien les débuts du trompe-l’œil. Et effectivement, les deux cultures se répondent avec efficacité, notamment lors des conquêtes d'Alexandre le Grand. Lorsque ce dernier étend son territoire, il l'ouvre aux cultures voisines, notamment celle de la péninsule italienne. Les vases communicants commencent à faire leur effet les deux cultures communiquent, jusque dans la peinture. Le moyen age et l’art des manuscrits Le Moyen Âge est une période faste dans l'évolution de la peinture. Une période de transition, qui a permis d'ouvrir la porte ! Si l'art prend une place de choix à l'Antiquité, la peinture au Moyen-Âge n’est encore que très peu répandue dans la vie quotidienne. Celle-ci ne sert souvent qu’à la religion pour illustrer les grands manuscrits comme le livre d’Heures, un livre destiné aux fidèles catholiques afin de savoir à quel moment de la journée prier et quelles prières suivre. Ce qu'il faut retenir de cette période, lorsqu'on parle de peinture, est que cette dernière était principalement religieuse. Son enjeu était de diffuser la culture et la religion chrétienne, et cela passait donc, en toute logique, par les lieux comme les églises. On essaie, aujourd'hui, de restaurer tant bien que mal ce qui nous en reste ! Les enluminures sont alors les principales démonstration d’art médiéval, cohabitant avec les peintures sur bois et les fresques. Car oui, un peu plus tard au Moyen Âge, on commence à peindre sur des plaques de bois. Les parchemins sont encore utilisés mais ces panneaux de bois servent plus ou moins de toiles pour l’époque. Les sujets sont alors de plus en plus réalistes et les artistes tentent de retranscrire la perspective. Giotto di Bondone et Cimabue sont notamment connus pour être de grands artistes de la peinture médiévale. Concernant les couleurs, à la différence de la préhistoire, celles-ci se sont démocratisées, et la période médiévale en retient cinq le jaune, le bleu, le noir, le blanc, le rouge et le vert. Chacune d'entre elle possède une portée symbolique par exemple, le bleu signifiait, dans une peinture, la loyauté et la justice. Plutôt idéal pour faire passer des messages à ses contemporains, non ? Et si, à cette période, les peintres étaient considérés comme de simples artisans, leur place va prendre un intérêt grandissant au fil de l'Histoire. Les meilleurs professeurs de Dessin disponibles5 18 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 9 avis 1er cours offert !4,8 4 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 5 avis 1er cours offert !5 10 avis 1er cours offert !5 18 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 9 avis 1er cours offert !4,8 4 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 8 avis 1er cours offert !5 5 avis 1er cours offert !5 10 avis 1er cours offert !C'est partiLa renaissance les débuts des toiles Fra Angelico est l'un des plus grands peintres de la Renaissance. La période de la Renaissance est pour la peinture une véritable révolution, tant sur le plan technique que de la pensée. Les artistes peintres se détachent peu à peu de la seule image religieuse pour représenter le monde qui les entoure en réalisant notamment des portraits. À l’image de Léonard de Vinci, les sciences entrent dans l’art. De Vinci utilisera notamment les sciences pour étudier l’anatomie du corps humain et représenter des personnes de manière plus réalistes. En parallèle, les artistes ne deviennent plus de simples artisans, mais bel et bien des personnalités à part entière, dont on parle encore de nos jours. Des personnalités aux idées bien arrêtées, marquant l'avènement de l'humanisme. S'il faut retenir quelque chose de la peinture de la Renaissance, c'est pourtant bien que les thèmes et les pensées humanistes comme la liberté de pensée ou l'éducation qui sont les piliers et les pivots ! de l'histoire de la peinture. L’apparition de la toile change le rapport à l’exercice de la peinture. Bien que les supports en bois continuent d’être utilisés, la toile est peu à peu employée par les artistes. C’est également le début de la peinture sur chevalet. Cela va ressembler de près ou de loin à un outil supplémentaire pour travailler la technique et le rendu global. La perspective commence alors à apparaître dans les représentations, marquant cette réflexion sur la technique. Fra Angelico, Andrea Mantegna, Le Tintoret, Sandro Botticelli, Raphaël, Léonard de Vinci, Michel-Ange, les grands artistes de l’époque sont majoritairement italiens, bien que l’école de la peinture hollandaise réussie à se faire un nom. Le nord de l’Europe est alors marqué par des peintres comme Lucas Cranach l'Ancien ou encore Pieter Brueghel l'Ancien. Qui n'a jamais rêvé devant un tableau de Leonard de Vinci ? Il fait partie intégrante de l'Histoire de la peinture ! La Haute Renaissance comprise entre 1500 et 1530 est une période considérée comme l’apogée de la peinture. Léonard de Vinci vient s’installer en France sous les ordres de François 1er et développe avec brio la technique du sfumato donnant plus de liberté dans les finitions des œuvres. Les détails sont moins précis et les artistes entrent dans le style du maniérisme. Une façon d’annoncer le style baroque des années à venir. Pourquoi ne pas découvrir l'histoire de la peinture grâce aux cours de dessin en ligne ? La peinture baroque et rococo Au début du XVIIème siècle, les peintres se détachent considérablement des peintures de la Renaissance, et créent ce qu’on appellera la peinture baroque. De manière assez simple, la peinture baroque est née en Italie, et place les détails comme le socle de tout. Ces mêmes détails viennent alors s'accompagner de la perspective, et des effets de luminosité. Un trio gagnant, en somme ! Parmi les autres caractéristiques de la peinture baroque, on pourrait évoquer les personnages sans cesse en mouvement, ou encore l'expression décuplée des sentiments, et la grandeur de Dieu. Car la peinture baroque a une origine religieuse ! En effet, si la peinture baroque a existé et existe aujourd'hui dans les livres d'art, c'est parce que le Concile de Trente a apposé une mission de la plus haute importance aux artistes et à l'art en général rameuter les protestants et les protestantes de leur côté. Il faut ainsi compter de nombreux artistes aujourd’hui reconnus parmi les plus grands peintres de l’histoire comme Le Caravage, Rembrandt, Rubens, Vélasquez, Poussin, Georges de La Tour, Vermeer, Et bien d'autres encore ! Les peintures du peintre Le Caravage sont notamment très caractéristiques de la peinture baroque. Contrairement aux tableaux de la Renaissance, les peintures baroques représentent les faits au moment les plus tragiques. Les artistes ne se censurent pas et utiliser les jeux d’ombres et de lumière et les couleurs afin de renforcer les émotions impliquées dans la toile. Regardez, contemplez une toile du Caravage, vous verrez, c'est saisissant ! Les historiens de l’art notent particulièrement l’invention de la technique du clair-obscur mettant en avant certains détails des personnages grâce à l’éclairage d’une bougie ou autre. Les contrastes sont très forts et les tableaux plutôt sombres. Ces éléments sont tout à fait significatifs et représentatifs de la peinture baroque. Un peu plus tard, le style rococo envahit l’Europe. Cette fois, le style doit être léger et parfois même érotique. Véritable style décoratif utilisé aussi bien en peinture que pour la confection de meubles, le style rococo séduit la cour royale et les nobles. Watteau, Chardin ou encore Fragonard en sont les principaux représentants en France, et sont souvent reproduits en dessin classe. On reconnaît la peinture rococo à ses couleurs pastel, à ses formes plutôt incurvées, et à ce qu'elle représentent au sein de ses tableaux. En effet, cette dernière met en scène de longues promenades, des parties de campagne ou encore des scènes pastorales. Parmi les modèles en la matière Jean-Antoine Watteau né en 1684 et mort en 1721 Où trouver des cours de dessin lausanne ? Fragonard fait partie des grands peintres de l'esprit rococo. Du néoclassicisme au réalisme Le XIXème siècle fut très mouvementé en terme de mouvements artistiques. Les styles et mouvements se succèdent les uns et les autres et marquent le siècle comme l’un des plus importants de l’histoire de l’art. Pour résumer, le courant néoclassiciste apparaît à Rome, entre 1760 et 1770. Et s'il se place au XIX ème siècle, c'est parce qu'il se développe jusqu'en 1830 environ ! Le néo-claciscisme de Jacques-Louis David Vers la fin du XVIIIème siècle, de nombreux peintres éprouvent le désir de revenir à la simplicité. Aux frivolités, à la fantaisie de l’esprit rococo et au côté sombre du mouvement baroque, les peintres décident de reprendre les caractéristiques d’une peinture plus classique. Cela passe par, selon eux, des thèmes plus nobles. En pleine période de Lumières, le mouvement néo-classique apparaît notamment au moment où l’on redécouvre les ruines de Pompéi. Le style antique devient alors un modèle pour les artistes désireux de revenir aux sources de l’art. Les personnages se font beaucoup moins nombreux, on retrouve dans les toiles des motifs plus géométriques, les gestes sont plus éloquents, et les corps sont davantage inspirées par la précision des statues gréco-romaines. De la précision, de la simplicité, que représentent David, Guérin ou Peyron. Le mouvement artistique s’essouffla peu à peu pour laisser place au romantisme. Trouvez votre cours de dessin genève ici pour tout savoir sur l'histoire de l'art. Le romantisme d’Eugène Delacroix Le mouvement romantique a été l’un des plus marquants des mouvements artistiques de l’histoire de l’art. On lui attribue une naissance allemande, aux alentours de 1795, à partir de la littérature. Car oui, le romantisme prend sa source dans les livres, mais surtout dans l'imaginaire et dans la nature. De grands peintres comme Eugène Delacroix, Théodore Géricault, ou encore Francisco de Goya ont fait partie de ce mouvement faisant aussi appel aux sentiments et à la mélancolie. Les tableaux représentent souvent des paysages ou des événements dans lesquels la nature reprend ses droits. Le mouvement reflète la volonté de montrer que la nature est plus forte que l’humanité. On admire alors des tableaux de massacres, de naufrages, etc. L'artiste se place alors sur le devant de la scène avec ses émotions, et permet à tout un chacun notamment de nos jours de mieux comprendre le quotidien de l'époque ! Une représentation subjective de la réalité, qui devient aujourd'hui, un témoin objectif de l'Histoire de la peinture. Le réalisme de Gustave Courbet C'est effectivement Gustave Courbet qui donne naissance au réalisme en peinture. Né après la révolution de 1848, il s'étend jusqu'à la fin du siècle, et s'inscrit dans la contradiction avec les romantiques. Car oui, le réaliste veut, comme son nom l'indique, représenter la réalité avec le plus d'objectivité possible ! Mais il ne s'agit pas seulement de faire un copié-collé de ce qu'il voit ! Le peintre a pour ambition de retranscrire les moeurs de son époque, à travers la réalité des faits. On y perçoit alors des scènes de la vie courante, ou encore des peintures d'histoire, ou des natures mortes. Telles de véritables photographies d’époque, le mouvement réaliste tend donc à témoigner de la vie et des événements d’actualités. Loin de l’imaginaire et de l’esthétique du mouvement romantique, les peintres réalistes souhaitent, en pleine moitié du XIXème siècle, remettre l’humain au cœur des tableaux. L’évolution sociale, la vie quotidienne, l’arrivée des machines, les peintures réalistes permettent de réaliser une belle photographie de la vie du XIXème siècle. Mais avec l’arrivée de la photographie vers la fin du XIXème siècle, les artistes n’ont plus besoin de peindre ce qui les entoure de manière réaliste. La peinture se transforme alors peu à peu en devenant avant tout un moyen d’expression. Où trouver des cours de peinture lausanne ? Courbet peignait les événements sociaux de l'époque. La peinture moderne et contemporaine La peinture moderne et contemporain est un pan capital de l'histoire de la peinture, qui se découpe en plusieurs styles, en plusieurs périodes, et en plusieurs artistes majeurs. En 1872, Claude Monet expose au Salon des Refusés son tableau Impression soleil levant ». Très décalé des codes académiques de l’époque, les critiques se moquent de ce tableau qui marquera pourtant le début de la peinture moderne. Une peinture réalisée en extérieur et qui permet de reproduire des moments de vie qui peuvent paraître sans importance à côté des grands événements peints tout au long de l’histoire de la peinture. Et pourtant, c'est cela qui va faire le sel de cette peinture ! Le mouvement impressionniste est né ! S’en est suivi de nombreux tableaux et artistes développant ainsi l’esprit de la peinture moderne. Cézanne, Gauguin et Van Gogh continuent ainsi de représenter des paysages et natures mortes en tout genre. La fauvisme mais aussi l’école de Pont-Aven viennent renforcer l’idée que la peinture moderne a définitivement trouvée sa place. Quelques années plus tard, la peinture contemporaine fait son apparition avec notamment le très reconnu Pablo Picasso. Avec son tableau Les Demoiselles d’Avignon », Picasso marque l’histoire grâce à sa peinture déconstruite, sans perspective, ni proportion humaine. Ainsi, l’artiste fonde les bases de ce qu’on appelle le cubisme. Avec son ami Georges Braque, ils prennent plaisir à inventer leur propres limites. Et c'est peut-être là le propre de l'art pictural. Parfois, la peinture a bien plus de choses à nous dire qu'on pourrait le penser. Et cela passe notamment par les grands noms qu'elle a traîné avec elle au fil de l'histoire. S’en suivent l’art abstrait de Kandinsky, le dadaïsme de Marcel Duchamp et Francis Picabia ou encore le surréalisme de Dali et Magritte. Des mouvements artistiques qui marqueront à jamais l'histoire de l'art du XXème siècle. À la fin des années 1970, des mouvements européens comme le néo-expressionnisme ou Nouveaux Fauves, ou encore Figuration Libre en France font leur apparition. L'idée ? Peindre sur des grands formats, laisser sa liberté s'exprimer. Ce style connaît un grand intérêt de la part des publics, et aujourd'hui encore, il n'a de cesse d'être représenté. Aujourd'hui, l'art numérique se développe, au même titre que, ça et là, l'art naïf, l'abstraction graphique, l'hyperréalisme, ou encore l'Op'art l'art optique, via, notamment les illusions d'optique, qui s'éloignent de la peinture. Une palanquée de nouvelles techniques, qui ne demandent qu'à être explorées par les artistes, mais aussi et surtout par nous ! La peinture est donc bien autre chose que ce qu'on pourrait s'imaginer à travers des grands noms. Certes, ces derniers ont contribué à faire de ce que l'on en connaît aujourd'hui un domaine d'exception, mais il se trouve que l'Histoire de la peinture est bien plus riche qu'on pourrait le croire. En traversant les siècles, elle a aussi traversé la société et toutes ses classes. Et rien que pour ça elle vaut le coup d'oeil, non ?

Lechef-d’œuvre de Vermeer a été passé à la loupe durant 48 heures, à la joie des conservateurs et du grand public.

JOHANNES VERMEER VAN DER MEER DE DELFT Première partie Pour peu qu'on ait approfondi l'étude de l'art ancien, qu'on ait fouillé les vieilles archives, feuilleté les livres de comptes des princes, des villes ou des États, parcouru les rôles des corporations et les listes des académies, il est bien rare qu'on ait pu se défendre d'un mouvement d'étonnement d'abord, puis d'inquiétude et de malaise, à la révélation d'une quantité énorme d'artistes de tout état, gens de mérite probable, de valeur certaine, honorés par leurs confrères, estimés de leurs contemporains, souvent même distingués par les princes ou par les rois, et qui nous sont aujourd'hui à peu près inconnus. — Hommes de talent dont les noms parvenus accidentellement jusqu'à nous ne nous disent rien, car nous n'avons pas la moindre notion des qualités ou des défauts qui ont bien pu caractériser leurs œuvres. Il se produit, en effet, dans toutes les écoles un phénomène singulier. L'histoire de l'art, au bout d'un temps relativement très court, se synthétise. Les rayons lumineux qu'elle projette ne s'arrêtent plus que sur un nombre limité de têtes spécialement favorisées; les autres restent plongés dans une ombre qui va toujours s'épaississant, et que chaque année qui s'écoule rend plus obscure. Fait plus regrettable encore, les œuvres de ces infortunés subissent le même sort que leur nom. Elles disparaissent peu à peu de la circulation, et quand elles ne sont pas brutalement détruites, elles sont dénaturées, elles changent d'étiquette et passent au compte d'autres artistes mieux cotés. La constatation de ce méfait ne date pas d'hier. Personne n'ignore, écrivait en 1808 le chevalier de Burtin1, qu'en effaçant les noms un vil manège a déjà plongé dans l'oubli le souvenir de maint excellent artiste ancien dont on ne retrouve plus, ou presque plus de traces, sinon dans les ouvrages des biographes, qui nous ont transmis les justes éloges qu'ont mérités de leurs contemporains parmi tant d'illustres concurrents beaucoup de peintres dont on ne connaît plus les ouvrages aujourd'hui.» C'est ainsi que la spéculation dépouille certains artistes de la part de gloire à laquelle ils ont droit, en attribuant uniformément leurs œuvres à un rival dont la signature fait prime, et à cinquante ans de distance une génération touffue de peintres et de sculpteurs, qui comptait par centaines les hommes de talent, semble se résumer en une douzaine de producteurs qui, seuls, demeurent connus et appréciés du public. Le plus souvent, il est vrai, celui qui constate cette étrange absorption essaye de se consoler de cette disparition singulière, en se persuadant que ceux qui n'ont pas survécu n'étaient pas nés viables. En vain l'estime dont ils ont joui dans leur temps vient-elle protester contre un jugement si lestement formulé. En vain objecte-t-on les prix relativement élevés payés pour leurs œuvres, le goût avéré de leurs protecteurs, la haute considération dont les entouraient leurs confrères, on trouve toujours quelque bonne raison pour s'abuser sur leur compte, quelque motif ingénieux pour expliquer leur éclipse, jusqu'au jour où l'apparition subite d'un chef-d'œuvre inattendu vient renverser le pénible échafaudage de ces suppositions malveillantes, et attester que le pauvre méconnu était sinon un artiste de génie, du moins un ouvrier d'un merveilleux talent. C'est là le cas de Johannes Vermeer, dont nous allons essayer de retracer la Rien n’est à la fois plus instructif et plus curieux que l'histoire de ce grand peintre méconnu. De son vivant, il fut apprécié comme artiste et honoré comme homme. Dirk van Bleyswijck, secrétaire du magistrat de la ville de Delft, personnage considérable par conséquent, voulant consacrer pour la postérité les gloires de sa ville natale, publia, en 1667, un énorme volume de près de 1,000 pages, sous le nom de Description de la ville de Delft2, et, parmi les artistes qui faisaient honneur à la cité, il mentionne Johannes Vermeer, quoiqu'il fût encore un jeune homme, et, quoique discret et réservé autant qu'un fonctionnaire public doit l'être, Bleyswijck se soit montré très avare de renseignements sur les Delvenaars, vivant encore au temps où il écrivait. De son côté, Arnold Bon, l'éditeur de la Beschryvinge, libraire bien posé, mais poète à ses heures, et du reste très mauvais poète3 ayant estimé qu'il était de son devoir d'écrire une pièce de vers pour déplorer la mort de Carel Fabritius, crut indispensable de citer notre peintre comme un de ceux qui pouvaient sinon faire oublier, du moins remplacer dans une certaine mesure le phénix», c'est ainsi qu'il appelait Fabritius, et qui, en attendant, marchaient le plus dignement sur ses traces. Partageant à l'égard de leur jeune confrère l'estime dont Bleyswijck et Arnold Bon donnaient des preuves publiques, les membres de la corporation des peintres de Delft, les maîtres de la gilde de Saint-Luc, firent à plusieurs reprises, de Johannes Vermeer un de leurs doyens. Enfin quand des étrangers de marque traversaient la ville de Delft, on les conduisait voir l'atelier de notre peintre. A Delphes sic, écrit Balthazar de Monconys, je vis le peintre Vermer, qui n'avait point de ses ouvrages; mais nous en vismes chez un boulanger, qu'on avait payé six cens livres, quoiqu'il n'y eut qu'une figure4...» N'avoir point de tableaux dans son atelier, vendre ses œuvres un bon prix, être visité par les étrangers, honoré de la confiance des artistes ses confrères, chanté par les poètes, enregistré par les historiens, si ce n'est pas là de la notoriété, mieux que cela même, de la célébrité, je demanderai ce que cela peut bien être. Il semble donc qu'avec de pareils atouts dans son jeu on soit sûr de passer à la postérité. Eh bien, non. — A peine Vermeer est-il mort que sa trace se perd, son nom s'oublie, son œuvre se disperse. Il ne faut pas vingt ans pour que cette renommée, en apparence si bien assise, s'évanouisse complètement. Houbraken5, le Vasari de l'école hollandaise, si généreux envers nombre d'artistes qui ne le méritent guère, conteur si prolixe d'histoires plus ou moins authentiques, biographe qui prend de toutes mains et accepte pour exacts tous les récits qu'on lui fait, Houbraken ne parle même pas de lui, ne cite même pas son nom. Chez Campo Weyermann6, il n'en est pas plus question que s'il n'avait jamais peint, et Van Goll ignore même qu'il existe de ses œuvres7. En France, à plus forte raison, même oubli et même silence. Ni Decamps8, ni de Piles9, ni l'auteur anonyme des Anecdotes des beaux-arts10, si remplies de commérages sur le compte des maîtres hollandais, ne semblent avoir eu la moindre connaissance de son nom et de ses ouvrages. En Allemagne, c'est tout de même. Fiorillo11, dans les quatre volumes qu'il consacre à la peinture hollandaise et flamande, ne mentionne pas une seule fois le nom de Vermeer, et Fusslin12 avant lui avait été tout aussi réservé. Ce fut seulement en 1816 que les deux auteurs hollandais de l'Histoire de la peinture nationale13 essayèrent de protester contre cette ingratitude et tentèrent en faveur du maître de Delft un essai de réhabilitation biographique. Mais à ce moment la trace de notre peintre était si bien perdue, qu'il n'était même plus en possession de son nom. Comme le constatent ses deux biographes de 1816, on le nommait déjà communément Van der Meer, et mieux Van der Mer de Delft Delft-schen Van der Meer pour le distinguer des deux Jean Van der Meer de Haarlem, le vieux et le jeune, et de Jean Van deer de Schoonhoven, qui habita Utrecht, et fut non seulement peintre, mais encore conseiller municipal de cette ville et receveur des convois et licences de la navigation14. Quant à des détails personnels sur Vermeer, Van Eynden et Van der Willigen n'en connaissent point d'autres que ceux donnés par Bleyswijck, et que nous connaissons déjà. S'ils ajoutent quelque particularité bibliographique, on peut être sûr qu’elle est de leur invention, et dès lors qu’elle est erronée. C’est ainsi qu’ils prennent prétexte d’une vente qui eut lieu à Amsterdam, le 16 mai 1696, et où l’on rencontre vingt et un tableaux de Vermeer, pour prétendre qu’il mourut à Amsterdam cette année-là, et que cette vente est celle de l’artiste lui-même, sa vente après décès. — Nous verrons tout à l’heure quelle créance mérite cette affirmation audacieuse. Quant à ses œuvres, ils mentionnent trois de ses tableaux et croient s'acquitter envers lui en le proclamant le Titien de l'école moderne hollandaise15». Il faut, certes, remercier, malgré les inexactitudes de leur récit et leur trop discret laconisme, les deux auteurs néerlandais d'avoir, après une si longue attente, remis enfin notre grand peintre à la place qui lui était due; toutefois, ce serait peut-être un peu forcer la note que de leur en laisser tout le Si les biographes s'étaient tû avec une singulière persévérance pendant près d'un siècle et demi, les oeuvres de Vermeer n'avaient point imité leur inqualifiable silence. Chaque fois que l'une d'elles s'était manifestée, elle avait parlé, et parlé avec une forte éloquence. Beaucoup de ses tableaux, il est vrai, avaient subi le sort que nous signalions tout à l'heure on les avait démarqués, altérés, mutilés, rendus méconnaissables et attribués à d'autres maîtres. Mais chaque fois qu'il en passait en vente un bien pur et bien authentique, non seulement les enchères le saluaient, solides et nourries17, mais les experts avaient grand soin de proclamer bien haut le talent et la valeur de l'artiste. C'est ainsi que l'expert Le Brun, en 1809, le déclarait un très grand peintre dans la manière de Metzu», et que, sept années plus tard, un autre expert, Pérignon, dans le catalogne de la première vente Lapérière, lui reconnaissait le talent de rendre, dans une manière large, le fini de la nature, la différence des objets, le soyeux des étoffes par la justesse de ses teintes et de l'effet.» À demeure dans une galerie princière ou dans une collection privée, l'effet produit par lui n'était guère moins grand. Chacune de ses oeuvres resplendissait d'un tel éclat, se manifestait avec tarit d'ampleur qu'à sa vue les gens du métier s'arrêtaient étonnés, surpris, émus et se croyaient obligés de constater l'évidente supériorité de cet inconnu. C'est ainsi que Reynolds, qui devait se sentir de pressantes affinités pour ce ne manque pas de mentionner sa Femme transvasant du lait18, parmi les tableaux qui l'ont le plus frappé en Hollande19. C'est ainsi que, dans des temps plus modernes, des critiques fort compétents eux aussi, mais non moins touchés par la puissance de cet admirable artiste, lui ont payé leur juste tribut d'éloges. M. Maxime Du Camp en 1857 Revue de Paris, Théophile Gautier, en 1858 Moniteur, M. Paul Mantz, en 1868 Gazette des Beaux-Arts, M. Clément de Ris, en 1872 Moniteur, rendent à Vermeer toute la justice qui lui est due. Quant à M. Viardot, la précaution qu'il prend de nous inviter à ne pas confondre Johannes Vermeer avec le vieux Gérard van der Meir, qui fut, comme chacun sait, élève des Van Eyck, si elle décèle un bon naturel, ennemi de toute complication inutile, elle prouve aussi que l'oeuvre mutilée de notre grand artiste avait frappé l'auteur des Musées de Hollande. Toutefois c'est à Thoré, ou plutôt à W. Bürger, car c'est sous ce nom de guerre que notre regretté collaborateur entreprit sa campagne d'exhumation, c'est à W. Bürger que Johannes Vermeer est redevable de sa réhabilitation, et c’est à lui qu'il faut en faire honneur. C'est à Bürger, en effet, qui, avec une conviction, une ardeur, une passion qu'on ne saurait trop louer et trop admirer, s'est attaché à découvrir une à une et à mettre en lumière les œuvres de ce peintre inconnu, c'est à lui, c'est à ses constantes investigations que nous devons d'avoir retrouvé une vingtaine d'œuvres bien authentiques de ce maître si puissant et si fort, c'est à son infatigable dévouement qu'il faut attribuer le légitime et grandissant intérêt qui s'attache aujourd'hui aux ouvrages de ce maître si rare et si parfait. Une seule chose a manqué à Bürger, c'est de pouvoir, en fournissant quelques dates certaines, limiter la vie de son peintre de prédilection, de ce sphinx», comme il aimait à l'appeler. C'est cette lacune que nous venons combler aujourd' Rien n'est plus intéressant, passionnant même, que la chasse au document, surtout quand elle a lieu sur un terrain incertain, mal connu et qui se dérobe à chaque instant sous les pieds du chasseur. Dès sa résolution arrêtée de percer les ténèbres qui entouraient son sphinx», Bürger fut fort embarrassé et se trouva aux prises avec une prodigieuse quantité de Jan Van der Meer, car aucun nom n'est plus commun en Hollande. Tout d'abord, rien que parmi les maîtres du XVIIe siècle, il en rencontra quatre ayant manié le pinceau 1°Jan van der Meer, d'Utrecht, qui a peint de grands tableaux et des portraits; 2° Jan van der Meer, de Haarlem, surnommé le Vieux, paysagiste, et 3° Jan van der Meer, de Haarlem, surnommé le Jeune, également paysagiste, mais dans le goût de Berchem, et enfin 4° Jan van der Meer, de Delft. Il lui fallut avant tout faire la part de chacun d'eux. Son embarras se serait encore accru s'il avait pu fouiller les archives de Delft et sonder les profondeurs de son état civil, pour ne parler que des contemporains de notre peintre, des van der Meer qui habitaient de son temps sa ville natale. Il se serait heurté, en 1640, à un Jan van der Meer, pharmacien, demeurant sur le Voldersgracht; en 1647, à un Jan Jansz van der Meer, veuf consolé qui logeait sur l'Out Beyerlant; en 1648, à un Jan Cornelisz van der Meer, non moins veuf, mais également consolé, et de plus chapelier de son état, ayant son domicile dans la Buitenketelpoort; en 1665, il aurait pris connaissance de l'héritage de Jan Reyers van der Meer, et, en 1680, de celui de la femme du scleoolmeester Johannes van der Meer, etc., etc., complication assurément inattendue, et qui n'aurait pas manqué d'augmenter le désarroi dans lequel il se trouvait plongé. Mais Bürger fut plus sage. Il ne s'aventura pas lui-même dans les archives de Delft. II alla aux renseignements, s'adressa au gardien attitré du trésor et fut éconduit avec une bonne grâce si parfaite, qu'il demeura convaincu de l'impossibilité de rien arracher à ce précieux dépôt ni au cerbère qui le gardait. Les archives de Delft ont été dispersées, écrit-il de la meilleure foi du monde, surtout dans la partie qui concerne le XVIIe siècle, et, malgré les recherches que l'archiviste a bien voulu faire, on n'a rien trouvé sur la naissance et la mort de Van der Meer.» La vérité est que l'état civil de la ville de Delft est des plus complets, et qu'aucune recherche sérieuse et intelligente n'a été faite par l'archiviste dont parle Bürger, sans quoi cet archiviste n'eût pas manqué d'y apercevoir ce que moi-même, pauvre étranger, je devais y découvrir en 1877 et ce que plus récemment y a retrouvé M. O Obreen, c'est-à-dire la date de naissance, la date de mariage et la date de mort de notre peintre. La vérité, c'est que la partie des archives de Delft qui regarde la Burgerlijke Stand, c'est-à-dire l'état civil, ne compte pas moins de cent soixante-quinze registres qui vont de l'année 1575 à l'année 1808 sans presque présenter de lacune. La vérité, c'est que sachant la confession des individus, il n'est nullement impossible, lorsqu'on veut s'en donner la peine et qu'on peut y consacrer le temps nécessaire, de retrouver les renseignements dont on a besoin, et je suis certain que ce n'est pas l'archiviste actuel, mon excellent ami J. Soutendam, qui me démentira. Il est à supposer, toutefois, qu'on aura commencé à chercher à l'année indiquée par Bleyswijck et que, ne trouvant pas de Vermeer ni de Van der Meer à cette année-là, on ne sera pas allé plus loin. Mais le fait n'était pas pour décourager un chercheur expert tous ceux qui ont pratiqué les archives hollandaises savent bien que jusqu'à la seconde moitié du XVIIe siècle les noms de famille figurent très rarement et à l'état absolument exceptionnel sur certains registres de l'état civil. Il fallait donc tâcher de savoir quel avait été le prénom du père de notre peintre. Eh bien, ce prénom nous devait être livré par la mention matrimoniale de Jan Vermeer. Cette mention, en effet, nous apprend que son père s'appelait Reynier. Dès lors, plus d'erreur possible, et nos lecteurs se souviennent que, il y a six ans bientôt, nous donnions dans la Chronique20 le texte même de cet acte de naissance ci vainement cherché par le paresseux archiviste et découvert par nous. Cet acte est conçu comme suit Dito 31 octobre 1632. I kint Joannis, vader ReynierJanssoon, mœder Dingnum Balthazars Getuygen Pieter Brarnmer, Jan Heyndrickz, Maertge Jans. C'est-à-dire Dito du 31 octobre 1632. Un enfant, Joannis, le père est Reynier fils de Jean, la mère Dingnum, fille de Balthazar, les témoins sont Pieter Brammer, Jan, fils d'Heyndrick, et Marthe, fille de Jan. Ce Joannis ou Jan étant, dans l'année 1632, — année indiquée par Bleyswijck — le seul fils de Reynier mentionné par l'état civil de Delft, il était donc clairement établi que c'était bien là la déclaration de naissance de notre peintre; toutefois un doute pouvait encore subsister. Aujourd'hui il n'existe plus une mention mortuaire produite récemment par M. O. Obreen est venue confirmer notre découverte. Cette mention est relative à la mère de notre peintre; en voici la teneur Begraven in de nieutve kerk 13 february 1670, Dyna Baltens, weduwe van Reynier Vermeer in de Vlamingstraet. Je traduis Enseveli dans la nouvelle église le 13 février 1570, Dyna Baltens, veuve de Reynier Vermeer, demeurant dans la Vlamingstraet. Dyna étant l'abréviation de Dingnum et Baltens celle de Balthasars, il n'y a plus de place pour le moindre doute. La seconde mention d'état civil relative à Johannes Vermeer rencontrée par nous sur les registres de l'état civil de Delft est celle de son mariage. Nous la relevons sur les registres de l'hôtel de ville, à la date du 5 avril 1653 Johannes Reyniers Z. Vermeer opt Martvelt, Catharina Bolenes J. D. mede aldaer C'est-à-dire Johannes, fils de Reynier Vermeer, jeune homme demeurant sur le marché avec Catharina Bolenes, jeune fille, au même endroit. Et, en marge, on lit attestatie g. g. op Schepl, den 20 april 1653. Stadthuys. Attestation donnée par le corps des échevins le 20 avril 1653. Hôtel de ville. Voilà notre Vermeer marié, il a vingt et un ans. Le premier recueil de documents où il nous va apparaître maintenant ne figure plus à l'état civil de Delft, mais à la bibliothèque royale de La Haye Ce recueil se nomme le Meestersbœrk — ou le livre de maîtrise — de la gilde de Saint-Luc. Il nous apprendra que c'est l'année même de son mariage que notre peintre se fit recevoir maître. Schilder, den 29 December 1653. Johannis Vermeer heft hem dœn aenteijkenen als meester schilder, sijnde burger en heeft op sijn meester geldt betaelt 1 gul 10 stuyv rest 4 gul 10 st. — Den 24 July 1656 in alles betaelt. Traduisons Peintre Le 29 décembre 1653. Johannis Vermeer s'est fait inscrire comme maître peintre étant bourgeois, et il a pour son droit de maîtrise payé 1 fl. 10 sols, reste 4 fl. 10 Le 24 juillet 1656 il a tout payé. Ce même livre de maîtrise nous reparle de lui en 1663. Cette fois, ce n'est plus comme simple maître qu'il figure sur les registres de la corporation, mais comme syndic, comme doyen, comme Hooftman, comme chef-homme. Il exerce pendant deux ans ces importantes fonctions 1662-1663, puis il rentre dans le rang pour en ressortir en 1670 et figurer encore, en 1671, parmi les doyens. Après cela, plus rien. — Ce silence peut sembler extraordinaire si l'on s'en tient à la date mortuaire donnée par les auteurs de la Vaderlandsche Schilderkunst, c'est-à-dire 1696. Mais une vente de tableaux, quelque nombreuse et fournie qu'elle puisse être en œuvres d'un maître, n'est pas un acte de décès, et c'est ce qui nous avait fait estimer et même affirmer que Vermeer devait être mort aux environs de 167321. Nous ne nous étions trompés que de deux ans. Notre Johanues Vermeer passa de vie à trépas le 13 décembre 1675; il n'était, par conséquent, âgé que de quarante-deux ans. Voici la copie de la mention mortuaire inscrite à cette date sur les registres mortuaires Jan Vernneer Kunstschilder aen de onde Langedyck in de Kerk. Jean Vermeer, artiste peintre, — demeurant sur la vieille Langedyk, enterré dans l'église la vieille église. Et une note marginale indique qu'il laissait huit enfants mineurs. Ainsi se clôt cette carrière si brillante, si nous en jugeons par les rares productions qui ont survécu du beau talent de Vermeer, par l'estime de ses confrères, par ses contemporains. Né en 1632, marié en avril 1653, inscrit comme maître le 23 décembre de la même année, chef-homme de sa corporation en 1662-1663, c'est-à-dire à trente ans, de nouveau doyen en 1670 et 1671, mort en 1675. Voilà la restitution complète, intégrale de cette vie que Bûrger déclarait si obscure. Les archives qu'il croyait condamnées à un mutisme éternel ont parlé. Le sphinx», comme il aimait à appeler Vermeer, a livré son secret. Il nous reste à voir maintenant comment ces dates, heureusement retrouvées, viennent détruire l'échafaudage de suppositions qu'on avait élevé autour de cette sympathique figure, et expliquer ses œuvres mieux que ne peuvent le faire les plus ingénieuses suppositions. Notes 1. Traité théorique et pratique des connaissances qui sont nécessaires à sont amateur de tableaux, etc. Bruxelles, 1808, t. Ier p. 303 2. Beschryvinge der Stadt Delft betreffende des selfs situatie oorsprong en ouderdom, etc. Delft, 1667. 3. Campo Weyermann, faisant allusion à ses vers, traite Arnold Bon de poète de deux sous Een zeker poœt van deux aas», et ajoute qu'il aurait dû se nommer, non pas bon, mais très méchant. 4. Journal des voyages de M. de Monconys. Lyon, 1665-1666, p. 149. 5. De groote schonburgh der nederlantsche konstschilders. Amsterdam, 1719. 6. De Levensbeschryvingen der nederlandsche Kuntschilders. La Haye, 1729. 7. De Nieuwe Schonburg der nederlantsche Kuntschilders. La Haye, 1754. 8. La Vie des peintres flamands et hollandais. Paris, 1753. 9. OEuvres diverses de M. de Piles, de l'Académie royale de peinture et de sculpture. Tome Ier, contenant l'abrégé de la vie des peintres avec des réflexions sur leurs ouvrages. Paris, 1767. 10. Anecdotes des Beaux-Arts. Paris, 1776. 11. Geschichte der zeichnenden Kunste in Deutschland und den vereinigten Niederlander. Hannover, 1818. 12. Hans Rudolph Fusslins kritisches verzeichniss. Zurich, 1816. 13. Geschiedenis der vaderlandsche Schilderkunst. Haarlem, 1816. 14. Geschiedenis, etc., t. ler, p. 164. 15 Johannes Vermeer den Titiaan der moderne schilders van de Hollandsche Scholl nœmen mag» 16. D'autant mieux que Rœland van Eynden, l'un des deux biographes en question, dans le Mémoire qui, en 1786, obtint le prix du concours Teyler relatif à la peinture hollandaise, ne mentionne pas encore Vermeer. 17. Témoin la Laitière, dont nous donnons la gravure, payée à la vente de Bruyn 1798 4,550 florins, et à la vente Muilman 1813 2,125 florins, près de 5,000 francs. 18. Aujourd'hui à Amsterdam, dans la galerie Six 19. Voir les œuvres complètes du chevalier Josué Reynolds. Paris, 1806. — Voyage en Flandre, en Hollande, à Düsseldorf, t. II, p. 338. 20. Année 1877, n° 43. 21. Voir Histoire de la peinture hollandaise, Paris, A. Quantin, éditeur, p. 488.

TheRijksmuseum collectionne les peintures du siècle d’Or néerlandais. Vous pouvez y admirer les arts de Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen et de Hooch. La bibliothèque du musée est la bibliothèque publique la plus complète sur l’histoire artistique des Pays-Bas. Le musée d’art de Stedelijk C’est le musée d’art moderne et contemporain du centre-ville ^{Dans la région de Liyue, il existe un lieu magnifique avec de nombreux bassins aux eaux turquoise. Ce lieu c’est le lac Luhua et il renferme un gros trésor. Un personnage Géo est nécessaire pour récupérer le butin final. Par où commencer ? Parlez tout d’abord à Vermeer, un peindre itinérant. En cherchant le meilleur point de vue, il a perdu une partie de son matériel. Retrouvez les pinceaux et la peinture de Vermeer ! A l’aide des 2 peintures en couleur fournies par Vermeer, vous devez retrouver les lieux d’où il a peint et ainsi retrouver sur place son matériel.  Retournez ensuite rendre ce que vous avez trouvé à Vermeer. Trouvez une autre pierre particulière ! Vermeer vous a donné une pierre en récompense qui semble être un Å“il pour l’une des statues. Cherchez dans les bassin d’eau devant les statues le 2e Å“il. Percez le secret du lac Luhua Grimpez sur les épaules de chaque statue afin d’insérer la pierre dans leur tête. Le trésor est proche ! L’activation des 2 pierres libère un totem Géo entre les deux statues. Activez le pour déclencher un défi durant lequel vous devrez vaincre 3 mages un Pyro, un Cryo et un Hydro en 90 secondes. Une fois terminé, la grille se lève et vous pouvez récupérer les trésors. Attention aux araignées qui vous attaquent Bonus Si vous avez vaincu Stormterror, retournez voir Vermeer qui est sur l’un des points de vue voir image ci-dessous pour obtenir un succès !}

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Peintre discret de la riche Hollande du XVIIe siècle, Vermeer aurait été étonné de découvrir l’engouement que ses toiles suscitent aujourd’hui. Pour comprendre d’où lui vient cette gloire, partons à sa rencontre à Delft et surtout, laissons parler ses œuvres... La drôle de famille du Renard Nous sommes le 31 octobre 1632 et les membres de la petite famille Vos le Renard » s'empressent vers la Nieuwe Kerke, la Nouvelle Église de Delft, symbole du calvinisme. Ils y sont attendus par le pasteur pour célébrer le baptême de leur garçon, un enfant peu pressé puisqu'il est né 12 ans après sa sœur Gertruy. Mais ses parents, Reynier et Digna, l'accueillent chaleureusement et lui donnent le prénom de son grand-père paternel, Johannes .... C'est dans un milieu à la fois très vivant et artistique que le petit Johannes grandit. Mais nous n'en saurons pas plus la formation du futur virtuose reste un mystère complet. A-t-il découvert sa vocation à la suite d'une rencontre ? Quel atelier a-t-il fréquenté ? Le fils du Renard se fait déjà discret. 1653 est décidément une belle année pour les Vermeer. Johannes a réussi à convaincre Catharina Bolnes de le prendre pour époux, malgré les doutes de sa future belle-mère, fière de ses vieilles origines bourgeoises et catholiques. Le jeune couple, qui allait donner vie à quinze enfants, s'installe rapidement chez Maria, dans un quartier de Delft où les jésuites sont fort influents. C'est donc vers la peinture religieuse que va d'abord se tourner Vermeer, officiellement enregistré comme artiste indépendant dans la guilde de Saint-Luc en décembre de cette même année. À 22 ans, il est d'ailleurs fort jeune pour avoir déjà droit à un tel honneur, ce qui prouve sans contexte un talent précoce et reconnu. Il a certainement profité de l'ambiance stimulante qui règne alors à Delft, quatrième ville de Hollande déjà célèbre pour ses manufactures de faïences. En attendant la gloire, Vermeer s'installe avec chevalets et pinceaux au premier étage de la maison de sa belle-mère. Il est temps de trouver un style. De la débauche à la sérénité Le troisième tableau de Vermeer est un coup de maître fini, les scènes mythologiques et religieuses des premières œuvres, place aux scènes de genre ! Et il ne va pas chercher l'inspiration très loin, puisqu'on sait que sa belle-mère avait orné ses murs de quelques toiles bien choisies, dont une représentation d'une courtisane par Dirck van Baburen. Elle devient sous le pinceau de Vermeer une Entremetteuse 1656, s'inscrivant dans cette mode des scènes de genre qui ont fait le succès d'un Jan Steen tavernes ou maisons closes deviennent les décors de réunions grivoises censées faire passer un message moralisateur au spectateur. Mais Vermeer va s'éloigner rapidement de ces représentations pleines de vie pour adopter le style plus sobre de Gerard Ter Borch, un de ses amis présent à son mariage. Les personnages, banals, sont isolés dans des intérieurs à la fois cossus et quasiment vides où l'artiste les piège dans des moments intimes qui nous resteront mystérieux à quoi pense ce géographe qui vient de relever la tête de ses travaux ? que contient cette lettre qui semble émouvoir cette jeune femme ? Pour répondre, on peut se faire enquêteur et rechercher les indices une mer tourmentée représentée sur un tableau, dans le fond de la toile, et la passion se fait houleuse ; une perle qui apparaît sous un turban, et la jeune fille en devient toute innocente. Il suffit d'une porcelaine chinoise posée sur une table pour évoquer la puissance maritime du pays, et quelques bobines de fil appellent à la patience et la modestie .... Les objets du peintre Une rapide comparaison des toiles permet de comprendre que meubles et accessoires étaient ceux qui entouraient Vermeer dans son cadre de vie. On a par exemple trouvé mention dans l'inventaire effectué après son décès de la cruche en vermeil présente dans La Femme à l'aiguière 1658 et du crucifix d'ivoire disposé dans L'Allégorie de la Foi 1670-1674. Arrêtons-nous également sur les cartes géographiques qui remplissent les arrière-plans de cinq de ses œuvres elles étaient alors à la mode dans la bourgeoisie qui y voyait avec fierté le symbole de la toute jeune nation hollandaise et de ses succès commerciaux. Elles contenaient donc un message, comme celle de L'Art de la peinture qui représente les 17 provinces des Pays-Bas telles qu'elles existaient en 1636 et qui ne sont plus que souvenir 30 ans plus tard, au moment de la réalisation de l'œuvre. Faut-il pour autant y voir une critique de la division de ce pays ? Une sixième carte aurait dû apparaître, comme le révèlent les radiographies effectuées sur La Laitière 1658-1660 mais l'artiste a préféré la faire disparaître, ne laissant malicieusement sur le mur que quelques traces de clous... Très appréciés, les tapis d'Orient étaient eux aussi considérés comme signes de richesse, preuves des nombreux échanges effectués avec les pays les plus exotiques. Chez Vermeer chaque détail compte les fruits abandonnés dans une assiette La Jeune fille au verre de vin, 1659, le balai posé dans un coin La Lettre d'amour, 1669 tout comme les bijoux en perles ne sont pas là uniquement pour attirer l'œil mais aussi pour souligner le danger guettant la femme qui délaisse ses occupations pour rêver à l'amour .... Épisode suivant • 20 août 1672 mort tragique de Jan de Witt Publié ou mis à jour le 2020-05-12 155725

^{Ilest temps de trouver de nouveaux Peinture Vermeer meubles et accessoires pour la maison ! Achetez chez Zazzle pour trouver des milliers de designs magnifiques et uniques pour votre maison !} Copie de la jeune femme à la perle de Vermeer acrylique sur toile 2014 L’art de la copie Après un moment d’absence, je reviens vers vous avec quelques conseils qui vous aideront à booster votre créativité . Si vous êtes amateur d’art, ou un véritable passionné de peinture, vous faites partie de ces gens qui vont au musée le week-end et qui restent scotchés sur une toile en particulier, pendant un bon bout de temps .Si vous avez eu un coup de cœur pour une œuvre que vous avez vu, vous allez vous précipiter pour acheter une carte postale ou un poster de votre œuvre préféré à la fin de la visite , et peut-être que vous ne la trouverez pas. Il y a quelques années je me suis mis à la peinture et la première chose que j’ai fait était de chercher à imiter les grands peintres qui m’ont le plus marquer .Dans ce nouvel article je vais vous montrer comment vous pouvez avoir des tableaux de grands noms dans l’art sans avoir à dépenser des millions, et sans à avoir volé des toiles dans les grands musées, et je n’incite évidemment en aucun cas ce genre d’acte répréhensible .Si vous copiez un tableau, il existe une règle d’or que vous devez respecter il ne faut absolument pas que vous peigner aux même dimensions que l’originale ni même que vous vendiez la copie, sauf si vous y apporter une touche personnelle. Ce que je vais vous présenter est tout simplement un exercice à faire qui vous apportera du plaisir et vous permettra de progresser dans votre art, tout en vous procurant une grande satisfaction. Pour les débutants qui me lisent, vous devez sans doute dire que c’est impossible et que vous n’avez pas le talent nécessaire pour peindre comme cela, et vous aurez sans doute raison . Je vais vous annoncer une bonne nouvelle Vous pouvez le faire vous aussi et vous verrez que rien n’est impossible, il faut seulement commencer à pratiquer, et savoir maitriser un art comme la peinture nécessite de l’exercice . C’est en vous inspirant des maitres en peinture et en copiant leurs œuvres, que vous allez acquérir et découvrir leur technique picturale, et l’exercice répéter va vous permettre de prendre des réflexes qui deviendront des habitudes .Et c’est ainsi que vous pourrez trouver plus facilement votre propre style pictural par la suite. Ce qui va booster considérablement votre progression sera votre désir irrésistible d’arriver au même résultat que votre peintre préféré et cela passe par… Avoir la passion pour une œuvre -La passion en arts et dans tout autres domaines de la vie est la motivation première à la réalisation de belles choses, parce que vous cherchez chaque jour à vous perfectionner et à vous dépasser, et c’est ce que j’avais à l’esprit lorsque j’ai voulu reproduire quelques tableaux de maitre qui avait le plus attiré mon attention. Copie de la Joconde de Leonard De Vinci acrylique sur toile 2005 et 2012 – Au début cela peut paraitre difficile à réaliser surtout si l’on n’a pas dès le départ les bases du dessin et de la peinture nécessaire à la réalisation de l’œuvre. Vous pouvez néanmoins commencer à vous exercer, et bien évidemment le résultat ne sera pas au rendez-vous tout de suite, ce que vous ferez ne sera pas parfait, si vous vous découragez c’est alors que vous devez changer les choses en vous et vous dire que les erreurs que vous avez pu faire vont vous servir pour progresser, votre regard au départ n’était pas assez aiguisé et c’est en peignant que vous prenez conscience de vos erreurs. Aussi vous devez toujours garder votre motivation et ne jamais baisser les bras malgré le niveau de difficulté et votre passion va vous permettre de progresser beaucoup plus vite. – Votre investissement sera votre talent, et votre apprentissage si vous êtes un débutant. La matière première ne va pas vous ruiner car vous aurez seulement besoin de toiles, de crayons, de fusain, de pinceaux, et de la peinture. Vous devez ensuite vous armer de patience et de détermination car parfois ce n’est pas évident. Lorsque j’ai commencé à copier des tableaux je n’avais encore aucune notion ni en dessin ni en peinture, cependant j’avais seulement quelques notions de bases que j’ai pu développer en observant minutieusement des œuvres d’art , et le reste n’a été qu’un exercice de pratique artistique, copier un tableau est le meilleur moyen d’apprendre à peindre et explorer les différentes techniques des peintres utilisées à travers les âges. Apprendre à se perfectionner – Se mettre à l’apprentissage de la peinture nécessite de la patience et de l’observation, c’est un art complet qui apporte à la fois un aiguisement de votre observation et de nombreuses techniques à assimiler. Dès le début je vous conseille de faire des exercices en dessin et en aquarelle chaque jour, il n’est pas nécessaire de faire un travail élaboré, n’essayez pas de faire le chef-d’œuvre de votre vie, il s’agira plutôt de vous exercer, pour pouvoir réaliser ou copier les tableaux que vous voulez réaliser le plus simplement possible. Pour copier un tableau de maitres munissez-vous d’une bonne photographie de l’œuvre, dans un premier temps vous ferez une photocopie de cette photographie ou de ce poster pour tracer les lignes de construction du tableau, vous prendrez ensuite votre carnet de croquis pour réaliser une esquisse rapide au fusain ou bien au crayon de papier, après ce travail d’analyse vous commencerez à travailler sur toile, si vous ne vous sentez pas en confiance avec le dessin, vous pouvez dessiner avec un quadrillage puis le reporter sur votre toile. La peinture Apprendre à regarder la manière de peindre des grands maitres – Synthétiser les formes et les effets de peinture pour les rendre plus efficaces cela ne va pas de soi , il faut arriver à faire simple tout en arrivant à restituer des textures et des effets qui ne sont pas forcément évidents au départ, pour la bonne raison qu’il est nécessaire de dépasser le stade de l’illusion globale que votre sens visuel peut se faire de la réalité, le travail que vous avez alors à réaliser sur vous est de dépasser vos impressions premières sur les objets, afin d’en faire abstraction pour pouvoir les restituer par des formes, des effets de couleurs et des ombres et lumières bien placé, qui donneront l’illusion du réel. étude préparatoire réaliser au musée du Louvre copie de l’astronome de Vermeer huile sur toile 1999 – Copier une toile n’est pas évident, il faut tout d’abord apprendre à regarder comment l’artiste à peint la toile puis analyser comment le tableau a été construit, avec les perspectives, les points de fuite la règle des tiers et les points de force de l’image. Vous observez ensuite comment se répartit chaque élément de la composition en se concentrant minutieusement sur son ensemble, et pour minimiser au maximum les erreurs de dessin focaliser vous sur les vides et les pleins plutôt que sur chaque détail de la composition. – Une fois que vous avez réalisé l’esquisse préparatoire sur la toile, vous commencerez à peindre. Depuis des années j’ai une grande admiration pour les tableaux de Vermeer, c’est un peintre néerlandais du 17e qui réalisait des scènes de la vie quotidienne .Les tableaux De Vermeer ressemblent à des photographies, alors qu’au 17e siècle l’appareil photo n’existait pas ! Après de longues recherches à la bibliothèque j’ai découvert que Vermeer utilisait un système optique appeler Caméra obscura ou chambre noire, et c’est l’ancêtre de l’appareil photo, il s’agit d’une boite avec une lentille optique et au fond de cette boite il y a un trou laissant passer l’image inversée .Vermeer utilisait ce système optique pour projeter une image sur son support afin de reproduire directement l’image qui se reflétait sur le support. On retrouve aussi dans ses tableaux de petites touches de peinture qui correspondent au flou de l’objectif. Jusqu’alors aucun peintre n’avait réalisé de tableaux aussi proches de la réalité , et c’est un déclic que j’ai eu en voyant ses toiles . De loin l’image à une cohérence photographique et de près les touche de peinture donne plutôt une impression qu’il s’agit de petites taches disposées méticuleusement par l’artiste. Caméra obscura Planche tiré de l’encyclopédie de Diderot – Chaque artiste à des techniques picturales et si vous voulez copier un tableau de maitre il faut prendre en compte ses techniques picturales pour produire une copie fidèle au modèle. C’est en imitant et en vous immergeant dans la grande histoire de l’art que vous allez apprendre à peindre. Votre esprit va ainsi assimiler toujours de nouvelles manière de peindre vous allez voir l’évolution des techniques picturales à travers les âges, et ce travail aura aussi pour vous un apport culturel toujours plus grand. Ainsi en explorant ce mode d’apprentissage vous allez pouvoir commencer à créer vos propres toiles, et ce moment-là va correspondre à l’entière assimilation par votre esprit de toutes ces connaissances acquises grâce à l’exercice de la copie. Ce qui va vous amener à … Développez votre talent créatif. En ayant copié des tableaux de maitres vous pourrez ensuite créé vos propres tableaux de qualité dans votre registre personnel, car vous aurez totalement assimilé les techniques et le fait de copier vous donnera beaucoup plus d’aisance pour composer des tableaux harmonieux car vous aurez pris l’habitude de regarder à partir des règles de composition perspectives, règles des tiers, harmonie des couleurs. Ce qui fera de vous un artiste expérimenté. Si vous n’êtes pas encore à l’aise pour explorer votre propre univers, je vous conseille de reprendre les toiles de maitre que vous avez copié et de reprendre un élément du tableau pour en faire des variations . et surtout cette astuce précieuse que je vous ai donné de … Copier les toiles des grands maitres, car c’est en copiant que l’on apprend Copie de la Métamorphose de Narcisse de Salvador Dali huile sur toile 2001 Documentation Caméra Obscura Planche tiré de l’encyclopédie de Diderot, sources wikipédia lB4GC.

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retrouver les pinceau et la peinture de vermeer